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El Inusual Secreto sobre Estudio De Color Con Cuadros al descubierto

04/02/2020

estudio de color con cuadros

Kandinsky se dedicó a enseñarles su teoría del color con nuevos elementos de la psicología de la manera. En contraste a otros pintores de la temporada, su uso del color en el cuadro era extremadamente diferente. Su paleta de colores se utilizaba con el fin de expresar emociones en vez de proporcionar una descripción de la naturaleza o el tema.

  • La clave de los cuadros que surgieron durante este movimiento decimonónico es que carecían del empleo del color negro.

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La Utilización De La Teoría Del Color En La Pintura Para Capturar El Mundo Exterior

Los cuadros son la ventana a la crónica de la humanidad mediante sus épocas más significativas. El tipo de trazo de las imágenes e inclusive el color de las mismas reflejan el estado de ánimo de los autores de cada temporada, tal como su visión del mundo. El ruso Wassily Kandinsky se realizó como un artista de vanguardia en Alemania. Estilísticamente se desarrolló desde la pintura figurativa al expresionismo y la pintura abstracta. En el curso de esto, Kandinsky desarrolló su propia teoría de la manera y el color como sinestésico, que se refleja en nuestra diversa selección de proyectos.

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Soy un apasionado del arte y tengo la fortuna de poder dedicarme a ello. Me hago una pregunta quién me he creído para considerarme refulgente, talentoso y fenomenal, pero la verdadera pregunta sería quiénes nos hemos creído para no serlo. Se compone de figuras geométricas sobre fondo de matices verdes azulados.

Durante sus viajes, pintó una secuencia de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. A este periodo pertenece su famoso trabajo La montaña azul, que describía explícitamente una vista escénica de la naturaleza por medio de los colores. Kandinsky declaró que la obra de Claude Monet fue una de sus superiores influencias.

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En la ejecución determinante de la composición, una abigarrada multitud -se supone que de fieles- se congrega en el porche. Los estandartes que se ven bajo el arco central y el grupo de sacerdotes con sus vestiduras amarillas semejan señalar que se trata de una procesión para celebrar una de las grandes festividades eclesiásticas. En su primera temporada como pintor, a Kandinsky le interesó bastante la teoría y la práctica del Neoimpresionismo. Delacroix experimentó para crear efectos realistas de luz en sus creaciones artísticas. En su trabajo trató de distanciarse del uso más clásico de los tonos oscuros para realizar sus proyectos. Por ello, el autor francés y sus acólitos impresionistas eligieron utilizar colores puros, sin ningún género de mezcla, donde singularmente destacaba el uso de los “colores primarios”, o sea, el colorado, el verde y el azul.

Una resolución que además aportaba una sensación de hondura en nuestro cuadro. Los impresionistas lucharon para encontrar una iluminación especial con la que ilustrar sus cuadros. Los estudios de Monet en este ámbito fueron fundamentales para determinar la relevancia del color en las obras de este movimiento.

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Recibió su educación artística en el continente europeo, primero de la mano de Eduard Von Steinle y tras Giovanni Costa. A la edad de 24 años, viajó a Florencia, donde asistió a la Academia de Florencia y pintó la procesión de la madonna de Cimabue a través de Borgo Allegri. Vivió en París desde 1855 a 1859, allí conoció a Ingres, Delacroix, Corot y Millet. En 1860, se trasladó a Londres, donde se asoció a los Prerrafaelitas. Diseñó la tumba de Elizabeth Barrett Browning por encargo de Robert Browning para el English Cemetery de Florencia en 1861.

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En 1864 se transformó en colega de la Royal Academy y en 1878 pasó a ser su presidente (1878–96). La escultura que realizó en 1877, Atleta peleando con una Pitón, fue considerada en su instante el renacimiento de la escultura británica moderna, consagrándose como el origen y mayor exponente del movimiento de la New Sculpture. Sus cuadros representaron a Inglaterra en la Exposición Universal de París .

En la segunda mitad del siglo XIX surgió en Francia un movimiento que tuvo su punto de partida a través del cuadro “Impresión, sol naciente” de Monet. Un crítico de arte usó el término “impresionista” para tratar de detallar de una forma desdeñosa la obra del autor.

Los arquitectos lo describen como un “patio inglés, una especie de oasis, un jardín tropical de carácter surreal”. Y recuerdan cómo la casa romana y mediterránea se ha caracterizado por su introversión y organización en torno al atrio. En la entrada, el ritmo del techado enlistonado, la rejilla de cubrición del patio ajardinado o el cerramiento acanalado azul, establecen juegos ópticos vibrantes, que inciden en los efectos espejados y activos. En la reforma de Lucas y Hernández-Gil, uno de los principales desafíos ha sido llevar la luz a todas las estancias de la vivienda. Lucernarios, lucernas, patios o aperturas en muros aportan iluminación natural a este dúplex que se despliega a pie de calle y en planta sótano.

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Wassily Kandinsky fue el primer pintor en fundamentar la pintura en medios de expresión puramente pictóricos. De esta forma, Wassily abandonó el uso de ‘elementos’ en sus cuadros adelantando la abstracción. En el momento en que poseemos los dos puntos claves, color y formas, ahora podemos hacer música con . Aunque Kandinsky jamás pretendió plasmar en imágenes creaciones musicales ahora que ya están o hacer nuevas, sí traslada la fuerza expresiva y evocadora de las armonías a la pintura. Dicen que una noche Kandinsky entró en su estudio y se quedó fascinado al ver una de sus pinturas expresionistas entornada del revés. Anonadado, le pareció de excepcional belleza lo que se encontraba en frente de , no había nada reconocible en ella, pero la obra poseía una trascendente fuerza. Fue entonces en el momento en que una explosión de ideas le vinieron a la mente y se percató del potencial y el poder de la abstracción.

Cuanto más alejados estén en el círculo cromático, más intenso es el contraste. La fuerza de expresión del contraste del color puro va reduciendo a medida que los colores empleados se marchan alejando de los tres colores primarios. Así pues, el contraste tendrá un efecto enérgico, ruidoso cuando usemos los colores primarios, mientras que se irá mitigando cuanto más nos alejemos de estos. Es un hombre muy particular, con una fuerza interior y una vida muy dura, por eso resalta el colorado y amarillo, cuyos colores tienen unas connotaciones y simbolismos muy particulares. Muy importante es el simbolismo de los colores, ya que si vemos la clasificación de Van Gogh, no veremos ninguna concreta; por poner un ejemplo a Gauguin lo etiquetan de simbolista, pero a Van Gogh no, por el hecho de que su pintura es un poco de todo.

Kandinsky abrió el camino y desvinculó este uso utilitario para dotar al color de una total autonomía. Por contra, en el momento en que nos movemos hacia la izquierda nos nos encontramos alejando de lo confortable para iniciar una aventura hacia lo desconocido, conque lo que vemos en esa una parte del cuadro resulta ágil, ligero y transmite sensación de independencia. Siguiendo esta teoría, Kandinsky acostumbra poner a la derecha formas tranquilas (como un enorme círculo) y colores lentos para remarcar la sensación de comodidad de ese lado. La izquierda sería el territorio del espontáneo amarillo, los valientes triángulos y el ritmo frenético que marcan las líneas en diagonal o vertical. Si bien el título del cuadro es «Improvisación 19», también fue nombrado por el artista como «Tono azul», devido a la prominencia de este color en la lona.

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